mercredi 12 octobre 2011

Un Tann's de rentrée (Tannhäuser, Opéra Bastille, 6 octobre 2011)


Sir Mark ElderDirection musicale
Robert CarsenMise en scène
Paul SteinbergDécors
Constance HoffmanCostumes
Robert Carsen, Peter Van PraetLumières
Philippe GiraudeauChorégraphie
Patrick Marie AubertChef du Choeur

Christof Fischesser Hermann Christopher Ventris Tannhäuser Stéphane Degout Wolfram von Eschenbach Stanislas De Barbeyrac Walther von der Vogelweide Tomasz Konieczny Biterolf Eric Huchet Heinrich der Schreiber Wojtek Smilek Reinmar von Zweter Nina Stemme Elisabeth Sophie Koch Venus

Orchestre et choeur de l'Opéra national de Paris

Maîtrise des Hauts-de-Seine/Choeur d'enfants de l'Opéra national de Paris

COPRODUCTION AVEC LE GRAN TEATRE DEL LICEU, BARCELONE ET LE TOKYO OPERA NOMORI



--------------------------------------------------------------------------

Wagnérophile convaincu, j'ai réussi à vaincre mes réticences premières (comment se confronter au souvenir de la production avec Ozawa? comment dépasser cette mise en scène que j'avais détestée) pour aller jeter un oeil, et une oreille, à cette reprise de Tannhäuser, mise en scène (ou en espace?) par Robert Carsen. Un plateau intéressant (Stemme surtout, Ventris, Koch, Degout, Fischesser: quoi qu'on en dise, c'est du solide), et une oeuvre qui m'est chère, voilà qui devrait permettre de passer une soirée moins frustrante que lors de mes dernières sorties sous l'ère Joel.

Et pourtant...deux grosses réserves m'ont tout de suite paru évidentes:
- sur les quatre rôles principaux (Venus, Tannhäuser, Wolfram, Elisabeth), trois effectuaient leur prise de rôle...ce qui s'est vraiment entendu, surtout au Ier acte, où tout le monde était appliqué, presque trop, cherchant trop souvent ses marques et manquant d'assurance.
- La mise en scène de Carsen, malgré le fait d'avoir en 4 ans assisté à des catastrophes du genre (Mireille, Faust de Fénelon, la Donna del Lago, Francesca da Rimini, le Ring, le Trittico...), m'a paru, à part à l'acte II, et encore, assez faible, "cheap", redondante, tombant dans la facilité, en bref pénible. Elle plombe tout l'acte I, et ne rend pas l'acte III intéressant, avec des éléments absolument grotesques (les mouvements avec les pinceaux! les choristes qui saisissent des chevalets lors du choeur des pélerins...). Dans le meilleur des cas, elle ne dérange pas et indiffère, dans le pire des cas, elle gâche tout, rend le propos de l'opéra totalement trivial, "désosse" la carcasse de l'oeuvre en ne lui faisant subsister qu'un faible propos. A noter que pour bien servir la "transposition" (accrochez-vous: Tannhäuser n'est pas un chanteur, mais un peintre! quelle trouvaille!), toute référence au concours de chant, et au chant en général, est gommée par le surtitrage...Malhonnêteté, quand tu nous tiens! En bref, on en reste au même souvenir qu'il y a 4 ans, où la première, "gâchée" par une énième grève, et jouée dans une lumière bleutée, avec pour seuls accessoires un lit et une harpe, avait été paradoxalement un pur moment de magie...Quelques jours plus tard, avec la mise en scène en définitive peu inspirée, cette magie s'était évaporée.

Du coup, l'acte I n'a pas vraiment décollé, certains diront même qu'il s'agissait d'un long tunnel. L'ouverture à l'orchestre était franchement mauvaise, incertaine, sans progression dramatique, avec des textures peu assurées, sinon dans une sorte de bouillie indigeste. Par contre, à partir de la fin de la Bacchanale, la direction de Mark Elder est paru plus intéressante, avec de belles couleurs trouvées dans les passages plus sensuels, globalement une attention aux chanteurs plutôt bonne, même si certains tempi trop lent les mettait par moment en difficulté. On peut tout de même beaucoup regretter de grosses chutes de tension, pas seulement à l'acte I, et un manque de vision d'ensemble: par moment, le son était dense, le chef "concerné", parfois il semblait très extérieur, ne parvenant pas à donner le souffle nécessaire à l'oeuvre, à se dépêtrer de problèmes d'équilibre sonore, à vraiment soutenir les climax de l'oeuvre, avec un final comme inachevé. Un son globalement généreux, de beaux passages (comme un prélude du III en apesanteur), ne font pas oublier une impression de routine.

Détaillons maintenant les prestations des chanteurs dans l'ordre d'apparition:

Sophie Koch fait du Koch, appliquée, attentive vocalement, à la limite de l'attentisme, tant elle semble précautionneuse. Il faut dire qu'elle n'a pas exactement la tessiture longue et la voix large exigée par Venus: graves inexistants, médium peu audible, aigus pas toujours dans la lignée du reste de la voix, phrasés parfois entrecoupés de respirations malvenues. De plus, elle est difficile à regarder sur scène, d'autant que le personnage qu'elle dessine (c'est le cas de le dire!) est dépourvu de sensualité, d'érotisme, ce qui est tout de même problématique en Venus. Des moments de beau chant, mais trop souvent premier degré pour être vraiment intéressant. Pas de quoi là non plus faire oublier la sensationnelle Béatrice Uria-Monzon, envoûtant tout Bastille il y a 4 ans.

Je me demande toujours comment Christopher Ventris a fait pour arriver au bout du rôle. Et pourtant, au début, j'ai été agréablement surpris d'entendre un ténor lyrique chanter Tannhäuser avec autant de style, de clarté, de coeur. Le problème est que le rôle est long, lourd, tendu, en quelques mots trop difficile pour lui. Dès les premiers écueils, il plie, il rompt parfois (à la fin du I), et on se demande à chaque acte s'il va finir entier. La fin de l'acte II est un long calvaire, qui le voit esquiver pas mal de phrases dans le grand ensemble, passer en voix de tête pour éviter de craquer certains sons, à la limite de la rupture totale. Fort heureusement pour lui, le III est un peu meilleur, alors qu'un effondrement lors du récit de Rome était à craindre.
La prestation de Ventris cause en définitive deux soucis majeurs:
- les climax de chaque acte se voient comme rabotés: là où Tannhäuser devrait tout dominer, solistes, choeur et orchestre, de sa voix, c'est précisément où on l'entend le moins...
- concentré sur ses propres difficultés vocales, le chanteur cherche à se tenir comme il peut pour émettre ses aigus, ce qui l'empêche de composer un personnage crédible, scéniquement et musicalement.

Stéphane Degout est fidèle à sa réputation, et construit pierre après pierre ce qui commence à ressembler à une très belle carrière. Son Wolfram est précis, châtié, très musical, d'une probité absolue, mais j'ai une (très petite) réserve: je le troue un peu trop appliqué, manquant d'abandon, de mystère, pour le rôle d'un poète. Il est vrai que Carsen souligne le fait qu'il est le poète d'une beauté "parfaite", abstraite, sans chair...Gageons que ce n'est qu'un "problème" (et encore) de prise de rôle, que l'aisance qu'il aura avec le temps lui permettra de devenir un grand Wolfram, élégiaque, ambivalent, vibrant. Il en a les moyens.

Nina Stemme était très attendue pour ses débuts (enfin!!!) à l'Opéra de Paris. La voix est admirable, large sans perdre en souplesse, superbement projetée, très bien ancrée dans le corps, les aigus sont dardés, la présence vocale et le style sont plus qu'au rendez-vous: son "dich, teure Halle" est le premier moment vraiment wagnérien de la soirée. On joue clairement dans une autre cour, MAIS est-elle réellement Elisabeth? Vocalement, comme scéniquement, elle paraît un peu mûre, davantage une Walkyrie qu'une sainte, manquant de cette fougue de la jeunesse, de cette féminité ardente qu'avait Eva-Maria Westbroek il y a 4 ans. Autre grosse réserve de ma part: elle sur-appuie et sur-joue tout scéniquement, de l'extase de retrouver la "teure Halle". Quand elle cherche Tannhäuser parmi les pélerins, elle traduit son inquiétude et sa quête par une bizarre envie d'en découdre avec chacun, effectuant une sorte de "break-dance-karaté" d'un très mauvais effet...si ce n'est de me faire beaucoup rire! Magnifique vocalement (elle peut même se permettre encore de très belles nuances), mais scéniquement à côté de la plaque.

Le reste du plateau est dans la bonne moyenne, Christof Fischesser, toujours aussi élégant, étant un peu juste vocalement pour une salle comme Bastille, pour un rôle globalement plus aigu que les autres basses wagnériennes. Du coup, le timbre sonnait moins charnu, plus élimé qu'à Lyon lors du légendaire Tristan.
Le choeur était concerné, dense, percutant, parfois un peu trop (lors de l'arrivée des hôtes, on aurait aimé qu'il ne donne pas tout, tout de suite!), réservant de beaux moments, malgré quelques imprécisions et décalages.

Quant au public, il a bien accueilli la première de cette reprise, beaucoup de monde applaudissant debout à la fin (il ne faut pas exagérer non plus!). L'acte II a été le plus applaudi, grâce au choeur et au magnifique ensemble final. Quant aux chanteurs, sans surprise l'ovation la plus marquée a été réservée à Nina Stemme, Stéphane Degout, Sophie Koch et Christopher Ventris étant très bien accueillis.

Au final, une bonne soirée, parce que c'est Tannhäuser et que le plateau n'était pas si mal, mais à aucun moment, si ce n'est aux déchirants (et déchirés) "Erbarm'dich mein" de Tannhäuser à l'acte II, on n'est pris par l'émotion, qui affleurait aux moindres moments dans la direction d'Ozawa et la performance du plateau il y a 4 ans. Pas de grand frisson, pas de magie, en définitive, une bonne impression de routine, qui aurait été totale sans la formidable et authentiquement wagnérienne Nina Stemme.

dimanche 6 mars 2011

Une cure de jouvence (Début de l'intégrale des symphonies de Beethoven, Bernard Haitink- Salle Pleyel, 18 et 19 janvier 2011)


Chamber Orchestra of Europe - Bernard Haitink

mardi 18/01 2011 20:00

  • Chamber Orchestra of Europe
  • Bernard Haitink : direction

PROGRAMME

  • Ludwig van Beethoven
  • Ouverture de Fidelio
  • Symphonie n° 8
  • Entracte
  • Ludwig van Beethoven
  • Symphonie n° 5
---

Chamber Orchestra of Europe - Bernard Haitink

mercredi 19/01 2011 20:00

  • Chamber Orchestra of Europe
  • Bernard Haitink : direction

PROGRAMME

  • Ludwig van Beethoven
  • Symphonie n° 2
  • Entracte
  • Ludwig van Beethoven
  • Symphonie n° 3 "Eroica"
-----------------------------------

Décidément, les "vieux renards" ont plus d'un tour dans leur sac! A l'image d'un Karl Böhm insufflant à la Femme sans Ombre une vitalité toute juvénile (écouter pour cela l'extraordinaire live de l'Opéra de Vienne en 1977), Bernard Haitink semble rajeunir avec les années. Sa battue claire et précise, son sens des couleurs, de l'équilibre des plans sonores, s'allient assez idéalement pendant ces deux magnifiques soirées à un allant et une ardeur, une légèreté de ton, dans la lignée de son intégrale "dégraissée" avec un orchestre plus important, le London Symphony Orchestra.

Le Chamber Orchestra of Europe, manifestement très enthousiaste d'être dirigée par le chef néerlandais, n'est pas la formation du siècle: de magnifiques couleurs, notamment chez les vents (les clarinettes!) ne font pas oublier quelques jolis couacs du côté des cuivres. Mais qu'à cela ne tienne, Haitink tire cet orchestre à son maximum, certes pas dans une ouverture de Fidelio imprécise, qui se cherche, mais dans les symphonies les plus classiques, la 2ème, ainsi que la 8ème. La clarté voulue par le chef néerlandais prend tout son sens, rappelant combien le compositeur de Bonn doit à Haydn et bien évidemment aussi à Mozart.

Dans les symphonies plus "telluriques", la 5ème comme la 3ème, cette option peut prêter à discussion, notamment dans le premier mouvement de la 5ème et la fameuse Marcia funebre de l'Héroïque. On peut préférer, moi le premier, des conceptions plus "jusqu'au-boutistes", qui vont plus loin dans l'expression du drame, dans la brutalité, dans l'émotion: Haenchen dans une 5ème implacable, Dohnanyi dans une 3ème bouleversante, pour ne parler que de chefs récemment passés dans la même salle. Force est de se dire que par moments, l'approche de Haitink, rayonnante, frise le contre-sens. Mais quel foisonnement de couleurs, quelle énergie, quelle classe, quel refus de la facilité, du clinquant, dans des mouvements finaux qui peuvent être très piégeux chez Beethoven! Et quelle admirable maîtrise tout au long de ces deux soirées: la battue très précise, très sobre, du chef, est au diapason d'une interprétation qui restera comme un des grands moments de la saison.

On a très hâte de retrouver ce chef et cet orchestre (si, si!) dans la suite de l'intégrale des symphonies de Beethoven, qui se profile la saison prochaine.

samedi 5 février 2011

Tchaïkovski redécouvert (Orchestre de Paris, dir.Frühbeck de Burgos - Arcadi Volodos - Salle Pleyel, 5 janvier 2010)


  • Orchestre de Paris
  • Rafael Frühbeck de Burgos : direction
  • Arcadi Volodos : piano

PROGRAMME

  • Piotr Ilitch Tchaïkovski
  • Concerto pour piano n° 1
  • Entracte
  • Piotr Ilitch Tchaïkovski
  • Symphonie n° 5
-----------------------------------

REINVENTION. Osons le mot! J'avoue être arrivé Salle Pleyel avec beaucoup d'excitation ce soir-là, ayant encore dans les oreilles le choc absolu qu'avait constitué le disque Volodos plays Liszt. Arcadi Volodos est mal habillé, une chemise trop grande qui dépasse du pantalon, l'allure générale est un peu négligée, ses doigts sont un peu bouffis, ses mains petites...Mais voilà! Les grands artistes savent dépasser les contingences physiques, l'apparence aussi, pour se transfigurer et faire oublier au spectateur tout ce qui peut paraître important, voire primordiale, dans notre ère du tout visuel. Et ce soir-là, le concert est mémorable, avec tous les ingrédients possibles réunis: un grand soliste, un grand chef, des chefs d'oeuvre ré-inventés, une complicité exceptionnelle...

Jamais je n'ai vu telle entente, à tous les sens du terme, entre un soliste et un chef. Dès les premiers gestes du chef, le soliste est en symbiose avec lui...dès la première phrase du soliste, le chef l'accompagne, l'encourage musicalement, le suit...une impression de fusion exceptionnelle se dégage, dans un modèle d'interprétation pour le concerto n°1 de Tchaïkovski: la gestuelle ample, souple, la hauteur de vue du chef répond idéalement à un sens des nuances, des accents, des couleurs absolument inouïs chez le pianiste. Volodos, dans ce premier mouvement que l'on croit pour ainsi dire trop connaître, se promène, et promène l'auditeur avec lui! Aucune difficulté technique ne résiste à un pianiste d'une exceptionnelle finesse, mêlant idéalement personnalité et respect de la partition, élan et respect des nuances. Le deuxième mouvement est comme en apesanteur, le troisième extraordinairement souple et exaltant, sans jamais chercher l'effet facile, bien au contraire! Sous les ovations du public, Volodos effectue trois rappels (!) où il fait valoir une fois de plus son toucher hors du commun.

La suite du programme, moins "médiatique", ne fait pas pour autant retomber la qualité de ce concert, loin s'en faut. D'un geste très sûr, élégant, clair, Rafael Frühbeck de Burgos mène l'Orchestre de Paris vers des sommets de concentration et d'émotion, avec des tempi assez lents mais non exempts de souplesse, une sonorité dense et une probité stylistique de chaque instant, mettant idéalement en valeur la construction de la symphonie autour d'un "leitmotiv" décliné dans chaque mouvement, suscitant en permanence l'intérêt de l'auditeur. C'est un Tchaïkovski en définitive très "civilisé", très subtil, extrêmement savant, que l'on a dans l'oreille, moins passionnel, moins éperdu que chez un Mravinsky par exemple...mais l'optique se défend, et est magnifiquement défendue! Manifestement, le chef est très apprécié des musiciens de l'Orchestre de Paris, et l'on comprend aisément pourquoi!

lundi 3 janvier 2011

Anja Harteros, la nouvelle Divina?

Les similitudes avec Maria Callas ne s'arrêtent décidément pas aux origines grecques de la merveilleuse Anja Harteros: il y a une classe, un maintien, mais aussi une émotion à fleur de peau, qui rappellent la Divina.
A Baden-Baden, pour le gala du Nouvel An, la cantatrice allemande nous en apporte une nouvelle preuve, avec un "Vissi d'arte" d'une sensibilité inouïe, un des plus beau que j'aie entendu personnellement, a fortiori ces dernières années!


dimanche 2 janvier 2011

Fin 2010 en bref...

BONNE ANNEE 2011 à toutes et à tous! Santé, bonheur, découvertes, rencontres, mais aussi joies musicales et culturelles!

En attendant de ré-attaquer 2011, et en espérant que cette année me laissera plus de temps pour poster ici, je vais tenter de revenir le plus brièvement possible (en faisant quelques zooms par la suite) sur les concerts et spectacles auxquels j'ai assisté fin 2010.

Nous nous étions arrêtés à la mi-octobre avec la prestation mitigée de Jonas Kaufmann au TCE.

Le 20 octobre fut l'occasion d'assister au concert symphonique de ma vie: la 9ème symphonie de Mahler dirigée par Claudio Abbado. Cela fera l'objet d'un petit focus détaillé!

Côté théâtre, une Noce de Tchekhov hystérique et échevelée, mais très plaisante (Théâtre des Abbesses, 23/10); de très prometteurs comédiens du Cours Florent interprétant une pièce pleine de verve et d'esprit de Pierre Notte, Journalistes (1/11); d'excellentes Funérailles d'hiver de Hanokh Levin, superbement servie par des comédiens désopilants et un bon cru de Laurent Pelly (Théâtre du Rond-Point, 26/11); un "récital" d'humour confinant à l'absurde par le très talentueux Ben (Théâtre de la République, 7/12); enfin, pour finir l'année, deux très belles réussites, Victor Hugo mon amour (Comédie-Bastille, 29/12) sur la correspondance amoureuse entre Hugo et Juliette Drouet, et Rêve d'automne de Jon Fosse (Théâtre de la Ville, 30/12), magnifié par la mise en scène exceptionnelle de précision, de fluidité et de densité, de Patrice Chéreau, ainsi que par des comédiens fabuleux, Valeria Bruni-Tedeschi et Bulle Ogier en tête.

Entre théâtre et musique, l'expérience fut contrastée, entre ratage complet et réussite totale; Une flûte par Peter Brook, aux Bouffes-du-Nord (24/11), mettait à mal à la fois Mozart, la densité de l'oeuvre et les chanteurs en les forçant à susurrer pianissimo sur une musique et un théâtre non seulement dégraissé mais vidé de sa substance. Aux antipodes, My fair Lady au Théâtre du Châtelet (23/12), dans l'élégante mise en scène de Robert Carsen, s'avérait un très bon moment, aussi bien musical que théâtral, et pas uniquement grâce à la période de Noël qui s'approchait!

Du côté de l'opéra, pas grand-chose à se mettre sous la dent à Paris, à mon plus grand regret: un très morne Trittico de Puccini à l'Opéra-Bastille (25/10), vériste dans le mauvais sens du terme, freiné par la direction timide de Philippe Jordan et plombé par la mise en scène laide et sans idée de Luca Ronconi; une décevante version de concert d'Alcina de Händel où seule Anja Harteros (pourtant elle-même décevante) surnageait d'une distribution pas vraiment idéale (frissons d'horreur avec le Ruggiero de Vesselina Kasarova) et d'une direction d'orchestre de Minkowski narcissique et tapageuse (TCE, 29/11). Même une répétition générale de Mathis der Maler, très attendu (Opéra-Bastille, 13/11), n'allait malheureusement pas me satisfaire pleinement. L'oeuvre est intéressante, la distribution aussi, mais la direction d'orchestre d'Eschenbach est trop prosaïque et fortissimo, et où on a connu Olivier Py plus inspiré, plus concerné oserais-je dire, et moins sage! Belle satisfaction par contre avec l'ingénieuse et vive mise en scène de David McVicar pour Orlando de Haendel, plein d'esprit des Lumières, mais côté "face cachée" (Zoroastre, Les liaisons dangereuses, Cagliostro...), compensant une distribution honorable mais pas marquante (Théâtre des Champs-Elysées, 3/11).
Il fallait aller à l'étranger pour trouver des satisfactions lyriques du niveau de celles que j'ai eu à Paris jusqu'à il y a 2 ans (ce temps me paraît si loin!): Lulu de Berg au Liceu de Barcelone (7/11), où Olivier Py s'est totalement renouvelé et Patricia Petibon a trouvé le rôle de sa vie, au milieu d'une distribution quasi parfaite; et The Rake's Progress de Stravinsky au Schillertheater de Berlin (le 15/12), où Krzysztof Warlikowski reproduit presque le choc de son Macbeth bruxellois, aidé par une révélation (Anna Prohaska) en Anne Trulove et un superbe chef, Ingo Metzmacher, mettant en valeur toutes les beautés de la partition.

Passons en bref aux concerts qui ont émaillé cette fin d'année 2010: belle révélation d'Andriss Nelsons (Cité de la Musique, 29/10) dans un programme Strauss-Mozart passionnant et de bout en bout marqué par de la passion et de la personnalité; Elisabeth Leonskaya (Salle Pleyel, 4/10) en remontre à toute la nouvelle génération de pianistes dans le concerto de Grieg qu'elle éblouit de son charisme et de sa puissance, Paavo Järvi lui emboîte magnifiquement le cas, créant au passage une pièce d'Arvo Pärt et défendant superbement la 3e symphonie de Sibelius; Peter Eötvös, remplaçant Pierre Boulez opéré de la main, confronte avec bonheur des oeuvres de Mantovani, Joneleit et Staud (3 créations en un concert!!! Salle Pleyel, 6/11) et le maître de la musique contemporaine, Schönberg; Paavo Järvi poursuit sa défense du répertoire nordique et russe avec un superbe et rare programme Sibelius-Chostakovitch-Prokofiev et le concours du fantsque Steven Isserlis (Salle Pleyel, 10/11); Sylvain Cambreling confirme que, malgré les critiques, il est un grand chef, surtout dans le répertoire contemporain (ici, Lachenmann) et chez Bruckner, avec une symphonie n°3 incandescente (Pleyel, 12/11); Colin Davis est aussi pour moi un des grands chefs actuels, ce qui se confirme avec une miraculeuse "Ecossaise" de Mendelssohn, malheureusement légèrement ternie par un concerto de Brahms où le violoniste Nikolaj Znaider multiplie les errements, de style et d'intonation (Pleyel, 14/11); on est à l'opposé de ces errements avec le très probe Stephen Kovacevich, toujours aussi généreux en nuances et subtilités, à l'unisson du chef de ce soir-là, David Zinman qui dirige notamment une "Grande" de Schubert à l'optimisme communicatif (Pleyel, 17/11); même adéquation stylistique pour le duo entre Jean-Efflam Bavouzet et Lawrence Foster, défenseurs ardents du répertoire français (Pleyel, 19/11); Yvonne Naef fait découvrir de sa voix chaude et sensuelle des Lieder de Zemlinsky, merveilleusement accompagnée par Alan Gilbert très à son aise, précis et souple, également dans Pelléas et Mélisande de Schönberg (Pleyel, 27/11); un répertoire magnifié par Peter Hirsch, Peter Mattei et Angela Denoke dans une mémorable Symphonie lyrique du même Zemlinsky (Pleyel, 3/12); et comme pour le théâtre, une fin d'année en fanfare, avec Mariss Jansons et son orchestre de la Radio bavaroise, interprétant une éblouissante 9e symphonie de Chostakovitch, et une très élégante 4e de Mahler, où la justesse de ton est toujours exceptionnelle (TCE, 18/12).

Du côté des récitals, peu de choses en commun entre un Bryn Terfel plus "bon garçon" que "bad boy", sympathique, personnel, dynamique, mais ne pouvant masquer ses problèmes vocaux (projection désormais limitée, aigu élimé) dans un programme bizarrement conçu (Pleyel, 5/11); un Yundi Li parfaitement huilé mais manquant cruellement d'émotion dans son Chopin (Pleyel, 9/11); une Mitsuko Uchida dont le sens de la construction et la personnalité très affirmée ne permet pas toujours de masquer quelques difficultés techniques (TCE, 10/12); et une Cecilia Bartoli qui donne une véritable leçon de bel canto baroque dans un récital Händel éblouissant, d'un aboutissement extraordinaire; point culminant, un "Ah mio cor" d'anthologie, où le temps est comme suspendu (Pleyel, 19/12).

ENCORE UNE BONNE ANNEE A TOUS!!!



dimanche 21 novembre 2010

Le jour et la nuit (Jonas Kaufmann, "Die schöne Müllerin" - Théâtre des Champs-Elysées, 14 octobre 2010)


Jonas Kaufmann, ténor
Helmut Deutsch, piano

Schubert: Die schöne Müllerin

-------------------------------------------------

CONTRASTE(S). C'est le maître-mot de cette soirée à vrai dire curieuse. Longtemps, grâce à mes "informateurs", j'ai craint une annulation du ténor du moment, qui avait eu lieu pour le même programme à Berlin puis à Barcelone la semaine précédant ce concert parisien. Concert curieusement placé dans le programme "les grandes voix", drainant un public sûrement venu écouter un récital lyrique et non un Liederabend, au vu de l'ovation au début et de l'attitude quelque peu "extérieure" dont il a fait preuve tout au long de la soirée: tentatives d'applaudissements intempestifs entre certains Lieder, et surtout applaudissement finaux (et après les rappels) n'attendant pas que le pianiste pose sa dernière note sur le clavier...Une attitude contrastant singulièrement avec l'intériorité exigée par une soirée de Lieder. Qu'importe! Des personnes venant écouter du Puccini ont écouté une heure et demi durant du Schubert, c'est toujours ça!

Venons-en au récital lui-même. Confirmant nos craintes initiales, Jonas Kaufmann apparaît peu à son aise, dans la voix comme dans l'attitude; pâle, les traits tirés, on devine qu'il ne tient pas la grande forme. Cela se confirme dès les premiers Lieder où l'émission est gênée aux entournures, le volume réduit, la couleur uniformément grise, les accidents et petites anicroches pas absentes (ce qui est très rare avec ce chanteur qui, s'il ne m'émeut pas toujours, atteint régulièrement des sommets de perfection vocale). Mais il était dit que cette soirée n'allait pas se finir comme elle allait commencer. D'un coup, d'après moi, Jonas Kaufmann tente son va-tout, qu'à cela ne tienne: il ose davantage de nuances, de couleurs, paraît plus à l'aise par l'écriture (la tessiture monte un peu, les Lieder non strophiques lui donnent plus de liberté), et peu à peu, l'émotion affleure, la dimension du concert change du tout au tout, vers un Trockne Blumen d'une intériorité superbe et un Des Baches Wiegenlied qu'on n'a jamais vu aller aussi loin, quasi une résignation suicidaire. Et là, on se dit qu'on a affaire à un artiste exceptionnel, capable de sublimer sa méforme (purement physique, à n'en pas douter) du moment, de l'utiliser afin de faire naître autre chose. N'est-ce pas l'essence même de l'artiste, de faire naître de l'imprévu, de l'aléatoire, de l'impalpable? Jonas Kaufmann, que je trouve parfois trop "formaté", trop prévisible, m'a peut-être plus impressionné ce soir-là qu'à aucun autre soir...

mardi 26 octobre 2010

Un bel élan (Orchestre de Paris, dir.Paavo Järvi - Vadim Repin - Salle Pleyel, 13 octobre 2010)


  • Orchestre de Paris
  • Paavo Järvi : direction
  • Vadim Repin : violon

PROGRAMME

  • Paul Dukas
  • L'Apprenti sorcier
  • Dmitri Chostakovitch
  • Concerto pour violon n°1
  • Entracte
  • Sergueï Rachmaninov
  • Symphonie n° 2
--------

ELAN. Le nouvel élan de l'Orchestre de Paris, depuis l'arrivée de Paavo Järvi, se poursuit!
Pour commencer, un Apprenti sorcier de Dukas très volontaire, très dynamique, parfois un peu trop forte et clinquant, mais ne manquant ni d'enthousiasme ni de couleurs; davantage de contrastes, notamment vers la fin, eussent été bienvenus, mais ce sont vétilles par rapport à la prestation d'ensemble d'un orchestre à la cohésion prometteuse.

Avec le concerto n°1 de Chostakovitch, qu'il a déjà enregistré, Vadim Repin devait une revanche à mes oreilles (après une difficilement supportable Symphonie espagnole d'un certain Lalov - vous connaissez? Lalo dénaturé par un style très russe)! Revanche à moitié prise! Du côté du verre à moitié vide, toujours cette même propension à "savonner" légèrement au niveau de la justesse, ajoutée à un manque de rayonnement du son, de relâchement. Du côté du verre à moitié plein, l'interprète est assez idéal dans la rêverie inquiétante, toute en demi-teinte, du premier mouvement; sa technique à toute épreuve lui permet de passer les redoutables difficultés du concerto sans aucun problème; enfin, contrairement à la Symphonie espagnole de l'an dernier avec Chung, on sent une connaissance intime du répertoire et du style, et donc un idiomatisme nécessaire.

Après l'entracte, on reste en Russie, avec une 2e symphonie de Rachmaninov sans afféterie. Cette symphonie regarde beaucoup en arrière, notamment vers la Pathétique de Tchaïkovski (mais il est des modèles bien pires!), avec un sens mélodique quasi-lyrique très largement assumé par Järvi, dont la direction ne se limite pas à cet aspect. Le chef estonien montre son amour du contre-chant, de la mise en valeur de motifs intermédiaires, de couleurs et de détails subtils, et insuffle énormément de vie, et donc d'élan, dans cette symphonie qui mérite d'être jouer ainsi, sans la guimauve hollywoodienne dont elle a été trop souvent, et à tort, infligée.

Envoûtant (Passion, Théâtre des Champs-Elysées, 10 octobre 2010)


Livret de Pascal Dusapin (2008), avec la collaboration de Rita de Letteriis

Sasha Waltz création chorégraphique, mise en scène, décors


-------------------------------------------------------

Lui, Lei (elle), Gli altri (les autres). A première vue, Passion de Dusapin, chanté en italien, sans sous-titres (mais sans que cela ne gêne aucunement le spectateur), est placé sous le signe de l'épure. L'oeuvre est un mélange du mythe d'Orphée, et de madrigaux amoureux (on pense à ceux de Monteverdi - l'italien n'est pas anodin), où l'homme et la femme se poursuivent, se déclarent leur passion, souffrent, s'extasient, passent par tous les états de la passion en somme, mais en se rencontrant très peu. Sublime de bout en bout, la partition de Pascal Dusapin explore avec une finesse et une variété d'accents impressionnante, cette carte du coeur.
La chorégraphie de Sascha Waltz, au premier abord très austère, se révèle peu à peu inoubliable, incroyablement pénétrante de beauté, notamment lors d'un dernier tableau qui restera longtemps dans les mémoires, avec ces cendres noires que l'héroïne répand un peu partout sur scène...Puis c'est au tour d'une femme de créer une multitude époustouflantes de figures, avec des ballons (noirs, aussi) accrochés en tas dans son dos. On approche de la magie, de la créativité pure, et de l'épure absolu. Puis l'héroïne disparaît, à reculons, son visage est projeté en fond de salle, parcourant virtuellement un enchevêtrement de larges couloirs...Une des fins les plus émouvantes que l'on ait pu voir, car jamais la metteuse en scène-chorégraphe-décoratrice Sascha Waltz n'en rajoute dans une chorégraphie et une scénographies résolument moderne, sans afféterie, au diapason de la très subtile musique de Dusapin.
Performance non moins extraordinaire, les deux personnages principaux non seulement chantent merveilleusement, elle (Barbara Hannigan) avec des suraigus d'une pureté et d'une sûreté incroyables, lui (Georg Nigl) avec une palette de couleurs très variée; mais ils dansent parfaitement, se coulent dans la chorégraphie avec un professionnalisme qui laisse totalement pantois. Si bien que durant le spectacle, il ne fait aucun doute à personne que ces deux-là sont danseurs professionnels!

Subtilité, émotion, épure, profondeur: les ingrédients d'un moment absolument privilégié.